miércoles, 26 de diciembre de 2007

Eduardo Gatti



Nacido en Chile, en 1949, este guitarrista, cantante y compositor puede jactarse de ser uno de los pocos artistas nacionales que ha creado una canción que, sin lugar a dudas, ha sido transformada espontáneamente en un himno colectivo: "LOS MOMENTOS', compuesta en 1970 e inspirada en la protagonista de "New Love' - el filme en que Alvaro Covacevic retrata a la juventud chilena de entonces, influida por el hippismo -dicho tema fue el primero de Gatti y dio origen a una serie de grandes y creativas canciones, que instauraron en nuestro país un estilo influyente de música popular.


UN POCO DE HISTORIA

Eduardo recuerda la fuerte impresión que tuvo al escuchar, cuando niño, y a instancias de su abuela pianista, la 'Novena Sinfonía' de Beethoven. Violeta Parra, Bob Dylan, Joan Baez, Los Rolling Stones, los Beatles y Eric Clapton ; son algunas de sus mayores influencias, durante su niñez y adolescencia. Algún tiempo tocando acordeón y cinco años estudiando guitarra clásica con Arturo González, coinciden con la formación de juveniles bandas: The Clouds (en su colegio, The Grange School) y, más tarde, Apparition. Con ésta última, graba en 1968 cuatro discos single, destacándose la versión en castellano de 'Cuando un Hombre se Enamora' (RCA).

Tres años de estudios demasiado dogmáticos en elConservatorio, instan a Gatti a subirse a un barco de carga y a terminar escuchando en Europa a Pink Floyd, Procol Harum y Fleetwood Mac, en pleno auge del Flower Power. Después de 3 meses, regresa para integrarse a LOS BLOPS, junto a Juan Pablo Orrego, Julio Villalobos, Sergio Bezard y Juan Contreras. Se ha dicho que el nombre de la banda, recordaba el sonido de una gota al caer. No lo sabemos. Lo que sí es efectivo es que Los Blops ocupan un importantísimo sitial en la historia de la música popular chilena, al lado de Los Jaivas, Congreso y otras agrupaciones que cambian la música de principios de los setenta.

Eduardo Gatti es pilar de Los Blops en sus dos períodos (1970-1973 y 1978-1980). De la primera etapa surge una enriquecedora formación sicológica y espiritual, producto de 3 años de vida en comunidad en la Manchufela, casa ubicada primero en la calle Ossa y después en una parcela de Peñalolén. Y para la música surgen también 3 álbumes: 'Blops' (DICAP, Discoteca del Cantar Popular, 1970), 'Blops ll' (Sello Peña de los Parra, 197l) y 'La Locomotora' (I.R.T., - ALBA, 1973).

En julio de 1973, el grupo se disuelve y no reaparece sino hasta casi seis años después, integrado sólo por Gatti y por el actual antropólogo Juan Pablo Orrego. Entretanto, Eduardo participa como guitarrista en la versión chilena de la ópera rock 'Jesucristo Superestrella', hace clases de música, colabora con radio Concierto, participa en la ópera rock '1984', esta un tiempo en Alemania (integrando los grupos Santiago y The Rawdogs), vende anteojos en el Mercado Persa, repara timbres eléctricos y radios, trabaja en Air France y crece como ser humano y músico.

Cuando Los Blops reaparecen, en 1978, la recepción del público es extraordinaria. Gatti y Orrego viajan a Perú y Ecuador, interesados por la música y la cultura indígena. Durante aquel período, Eduardo crea las canciones 'Huacas del Sol y de la Luna', 'Sambayé' (en coautoría con Juan Pablo Orrego) y 'Naomí', entre otras. Cuando, en 1980, Juan Pablo Orrego viaja a estudiar a Canadá, el autor de "Los Momentos" retoma su carrera musical, ahora como solista. El desaparecido sello SYM edita en 1982 el álbum "EDUARDO GATTI", que incluye una nueva versión de este tema ya clásico, además de 'Quiero Paz', 'Francisca" y 'El Viaje Definitivo ", basado en un poema del español Juan Ramón Jiménez .

Al año siguiente este artista pasa a formar parte del catálogo de RCA (actual BMG), lanzando al mercado el cassette 'GATTI ll', destacándose 'Océano', 'El Valle de los Espejos', 'El Barco', 'Saliendo al Encuentro" - donde Eduardo despliega especialmente su habilidad guitarrística y " Navegante", tema central de la película 'El Ultimo Grumete". 1985 halla a este músico en el pináculo de su carrera, lo que le permite realizar cuatro excelentes conciertos con lleno total, en el Teatro Providencia de Santiago, acompañado por varios de los mejores músicos del país. El ciclo de recitales sirve también para que la BMG edite un álbum doble titulado 'GATTI EN VIVO" (1986). -LOBA- (BMG, 1987), es un trabajo que presenta nuevas y hermosas canciones, como el tema homónimo, y una versión de una vieja canción: 'Campos Verdes'.

Su ascendencia francesa -su madre lo es- aflora en 'Celtic', 'Fanfarria (Céltica)' y 'Ja Nun Hon Pris', un tema de Ricardo Corazón de León. No obstante, una de las composiciones más logradas es el instrumental 'Tierra', creado en coautoría con un antiguo amigo de Eduardo y ex integrante de Embrujo: Carlos Femández. Dos años después, aparece el álbum 'ENTRADA DE LOCOS' (BMG, 1989), un trabajo bien producido, compartido con el argentino Nito Mestre. Nos encontramos con una producción con canciones de Los Blops y de Sui Generis. En 1991 actúa en el Festival de la Canción de Viña del Mar. Posteriormente es invitado a cantar con Mercedes Sosa y León Gieco. Actúa nuevamente con Mercedes Sosa en Santiago y va al Festival de Viña el año 1992.

Llegamos a 1993: Ese año edita TEMPRANO EN EL CIELO- (BMG, 1992), un CD donde Eduardo aparece nuevamente con sus melodías cálidas y susurrantes, con ese modo de cantar tan conversacional que posee y ese permanente punto de vista cósmico y positivo que le es tan propio. Sobresalen allí 'Todo fue Bueno", hermosa reminiscencia nortina; 'Valsecito', una vieja pero bien concebida pieza; y "Recuperación Total", un blues con un acertado arreglo en la onda de los setenta y de los negro espirituales.

En 1994 viaja a Brasil y Estados Unidos y en noviembre es invitado por Paul Mc Cartney para abrir su recital en el Estadio Nacional en Santiago.

En octubre de 1995 EMI editó un álbum con sus mejores 16 temas titulado 'DE MOMENTOS, VIAJES Y NAVEGANTES'.

En Enero de 1998 EMI edita su último álbum "CUENTALE AL SOL", el cual reúne 10 canciones inéditas y una de Pablo Herrera. Este último álbum incluye la canción "LUNA", que se hace conocida a través de un interesante vídeo-clip.

En Marzo participa de "GUITAR CRAFT", taller intensivo de guitarra con el legendario guitarrista británico Robert Fripp (King Crimson).

Por otra parte, en Agosto del mismo año BMG, edita una nueva recopilación con 15 canciones titulada "POR LAS TIERRAS DE LA LOBA".

A fines de Noviembre de este mismo año es inaugurada la página Web, del músico EDUARDO GATTI.

jueves, 8 de noviembre de 2007

Fotos de Andy Dular

Andy Dular

Hoy quiero hablarles de un chico argentino, ya que estamos en la onda argentina, en este caso es un chico que participo en Rojo Fama Contrafama, salió segundo en la gala final, superado por Javier Suárez, su nombre ANDY DULAR, una voz privilegiada, que con cualquier tema que interpretará lo hacía bien, sin duda que Javier Suárez es un gran talento, estupenda voz, un chico muy esforzado y espero que siempre le vaya bien. Pero porque destaco a Andy, por que su estilo me llega y los temas que interpreto en Rojo, fueron geniales, sobre todo los que se refieren a Queen. A cabo de enterarme que ya ha grabado 4 discos a través de un mail que me han enviado y que buscando por internet los encontre, aquí se los dejó para que los puedan escuchar,Tras haber obtenido el segundo lugar en el programa ROJO INTERNACIONAL emitido por el canal TVN de Chile ,no solo para el mencionado País, si no tambien fue trasmitido para 42 paises de Latino-America, Andy Dular se encuentra en Argentina, su País, donde há grabando su primer material solista. El mismo tendrá un estilo Pop-Latino,muy bailable, pero además incluira algunas baladas, las cuales se destacan con la inconfundible voz de Andy.
En este disco participan como cantantes invitados el canta-autor argentino CAE y la cantante de Honduras Ángela Bendeck.
EL disco estará a la venta a para mediados de Diciembre en todas las disquerias de Argentina y Chile.
La grabación de dicho material fue realizada en del Del Sol Estudio
Bueno que lo disfruten y comenten al respecto.

lunes, 29 de octubre de 2007

Alejandro Lerner "Magia y Poesía en su Música"

Sin duda cuando uno habla de Alejandro Lerner, no puede dejar de pensar en la calidad de la letras de sus temas, todos con un hondo contenido social, que penetra en el fondo del alma, no hay quien no le lleguen sus temas, temas que se han convertido en un verdadero himno, como es el caso del tema "A todo Pulmón"Aquí les dejo una serie de videos con sus temas más conocidos.



Reseña Biográfica

La historia inicial de Alejandro Lerner está asociada a los primeros años del rock argentino.

Nació en 1957 y ya en la escuela secundaria integró algunas bandas juveniles ANACONDA , TONELADA PLASTICA.

Pero a mediados de los '70, Raúl Porchetto descubrió el talento de este porteño que por entonces tenía sólo 16 años y lo convocó para participar de su grupo Reino de Munt. Muy poco después, debutó discográficamente como invitado en el segundo LP de León Gieco, "La banda de los caballos cansados", de 1974. Tuvo un paso fugaz por Los Desconocidos de Siempre, el grupo que armó Nito Mestre luego de la disolución de Sui Generis, y como invitado junto a Miguel Cantilo, Punch, Piero y Prema. Había estudiado piano con dos prestigiosos maestros, Antonio De Raco y Juan Carlos Cirigliano.

Incursionó en la carrera de composición y musicología en la Facultad de Música de la Universidad Católica Argentina. Mientras tanto, seguía tocando con distintos solistas como Porchetto en los álbumes "Raúl Porchetto" (1976) y "Chico Cósmico" (1977). En el '76 se integró a Soluna, un grupo que había armado el ahora productor Gustavo Santaolalla luego de su separación de Arco Iris. Y fue allí, en el único disco que editó esa banda ("Energía natural", 1977) que apareció por primera vez de manera pública como compositor, con el tema "Detrás del vidrio roto", una de las experiencias profesionales mas importantes para su formación. Compartió luego con Rinaldo Rafanelli (otro ex-Sui Generis), Gustavo Bazterrica y Gonzalo Farrugia, una formación con la que no llegó a grabar. Luego de sus primeros años como pianista de otros grupos, crea su primera banda de música instrumental como director, arreglador y compositor: Solopororo, un grupo de jazz rock latino que dejó un simple publicado y un álbum que se editó tiempo después como maxi, en 1984, bajo el nombre de Lerner ("Sus primeras canciones").De todos modos, es evidente que su gran espaldarazo llegó cuando se sumó, como pianista y compositor, a la banda de Sandra Mihanovich en 1980. Mientras tanto, le daba forma a un nuevo proyecto personal, La Magia. En 1982 editó su primer álbum solista ("Alejandro Lerner y la Magia"), se convirtió en consagración del Festival de la Falda y en el legendario festival BAROCK, con canciones irónicas y arreglos de rock sinfónico que inmediatamente llamaron la atención tanto del publico como de la prensa especializada. Con ese disco, que incluía temas como "Nena neurótica" y "Por un minuto de amor" -dos clásicos de su repertorio- su nombre se hizo definitivamente popular. Su primer álbum llegó a triple platino , lo que equivalía a una cifra de mas de 180.000 discos vendidos. Al año siguiente, cuando grabó y editó el LP "Todo a pulmón", la carrera de Alejandro Lerner alcanzó uno de sus picos más altos. Con su estilo inconfundible bien consolidado, publicó dos nuevos álbumes; LERNERTRES con mas de 300.000copias vendidas y CONCIERTO su primer disco en vivo. Para ese entonces canciones como TODO A PULMON y NO HACE FALTA QUE LO DIGAS se habían convertido en clásicos populares en todo hispano América. En 1985 decide alejarse del ambiente argentino de la música y radicarse en los Estados Unidos. Allí perfeccionó su formación musical estudiando arreglos con DON SEBESKY y piano con ANDY LAVERNE .Regresa a Buenos Aires en el '87 con un nuevo disco bajo el brazo, "Algo que decir".Una de las primeras publicaciones como sello independiente.

Se transformó en artista de repertorio y en una voz emblemática de la música popular argentina. Siguió grabando discos y presentándolos en conciertos cuya masividad nunca ha decaído , pero amplió su actividad hacia otros terrenos. Ha escrito música para cine, televisión , teatro-, música electrónica en series de ciencia ficción para tv, que le han valido recibir en dos oportunidades premios Martín Fierro, nominaciones a los premios GRAMMY en 4 oportunidades, numerosos premios KHONEX , GARDEL, SADAIC el premio de la sociedad de autores y compositores argentinos y el premio ASCAP de la sociedad de autores de Estados Unidos.

Sus canciones han sido interpretadas por artistas de la talla de MERCEDES SOSA , SANTANA, MIGUEL RIOS , LUIS MIGUEL, ARMANDO MANZANERO, GINO VANELLI, CAROLE KING ,CRISTIAN CASTRO, MARK ANTHONY, LA LEY , AIR SUPPLY, ALEJANDRA GUZMAN, entre otros,

Intervino como co productor e intérprete en el disco de dúos que hizo Paul Anka, junto a Celine DION, BEE GEES , TOM JONES, JULIO IGLESIAS junto a su gran amigo y mentor el productor HUMBERTO GATICA, con quién produce también dos de sus discos en Los Ángeles California, AMOR INFINITO Y PERMISO DE VOLAR.

Como productor Alejandro trabajó en el proyecto de CLAUDIA BRANT para Warner y en el 2001 el álbum LIBRE de la artista SOLEDAD para la SONY de Argentina.

Fue convocado para el homenaje a Carlos Gardel organizado por la Secretaría de Cultura y el Multimedios América en 1995, y para un disco de canciones patrias producido por Lito Vitale. En 1999, editó un álbum de grandes éxitos ("20 años") con mas de 150. 000 placas vendidas. Con un nuevo trabajo de estudio, dos años después del anterior "Volver a Empezar", con el mismo nivel de éxito. Ya nadie se pregunta por su pertenencia al rock o a la balada; tanto que en su nuevo disco incursiona inclusive en otros géneros latinos. La salsa en "Si quieres saber quién soy", y melodías sentidas como "Se ríe de mí", en la que Alejandro describe escenas y personajes de su barrio, el gran tema romántico "Amarte así", con las guitarras - según expresa el artista - convertidas en el "alma de ese álbum".

En 1996 produce para UNICEF el megaconcierto TENGO UN SUEÑO, para difundir y apoyar los derechos de los niños en la reunión cumbre de presidentes de Hispanoamérica en la cuidad de Panamá. con artistas como MERCEDES SOSA , RUBEN BLADES, ARMANDO MANZANERO , LEON GIECO , VICTOR HEREDIA y otras figuras de todo el continente.

Su labor solidaria lo llevó a apadrinar a distintas fundaciones y grupos de autoayuda participando de conciertos con fines solidarios en todo Latinoamérica.

En Diciembre de 2001 graba en vivo "Lerner. Vivo", con la participación de amigos de distintos géneros musicales en el escenario del Teatro Gran Rex, disco de oro en la Argentina. Con estos dos últimos trabajos recibe 4 nominaciones a los premios GRAMMY LATINO.

En el 2002 participó como compositor e intérprete en el último disco de Carlos Santana, "Shaman", quien lo invitó a compartir el escenario en mas de 10 ciudades en su gira por USA.

Tambien ha participado como autor he intérprete en el más reciente álbum del guitarrista de STING , DOMINIC MILLER.

Su más reciente trabajo es "Buen Viaje" , producido junto a CACHORRO LOPEZ e IGNACIO ELISAVETSKY, un disco con temas como "Después de ti" que ya alcanzaron las 17 semanas consecutivas en primer lugar en radios y primer lugar en ventas, no sólo en Argentina - donde ha recibido el galardón de 6 nominaciones a los premios GARDEL 2004 a entregarse a fines de marzo - sino en países como COSTA RICA y FRANCIA donde ha sido recientemente lanzado.

Se encuentra preparando una gira mundial de presentaciones de éste, su último material.

Lerner es un clásico, como lo son muchas de sus canciones. Y ese lugar queda perfectamente claro en el respeto que se ha ganado entre sus colegas de todas las corrientes.

viernes, 19 de octubre de 2007

Eagles





Eagles

Es una banda de rock estadounidense que se dio a conocer en origen en Los Ángeles, California a principios de los años 70.

Inicialmente su música era un híbrido entre música country e instrumentación bluegrass injertadas en armonías del Surf rock|surfer rock californiano, y produciendo baladas sensibles y música ligera de aroma country y pop-rock con letras que hablaban de coches, relaciones y vidas sin rumbo. Los inventores de este género fueron cantautores dotados, entre ellos Gram Parsons, Jackson Browne, J.D. Souther, y Warren Zevon. Los Eagles encajaron el espíritu del cantautor en el marco de un grupo, con un marcado énfasis en los arreglos y en la maestría musical, y el sonido inicial del grupo llegó a ser sinónimo del country rock del sur de California. En álbumes posteriores el grupo prescindió de la instrumentación bluegrass y gravitó hacia un sonido claramente más rock.


Miembros del grupo Fundadores

Los fundadores de la banda en 1971:
Guitarra/Teclados/Voz, GLENN FREY (nacido el 6 de noviembre de 1948 en Detroit, Michigan) huyó de los fríos inviernos y del mediocre ambiente musical de las fraternidades universitarias y los escenarios de los bares de Michigan, aportando un patrimonio de rhythm and blues.
Percusión/Voz/Guitarra, DON HENLEY (nacido el 22 de julio de 1947 en Gilmer, Texas) estuvo a punto de licenciarse en la universidad, en la especialidad de Literatura Inglesa.
Guitarra/mandolina/banjo, BERNIE LEADON (nacido el 19 de julio de 1947 en Minneapolis, Minnesota) su pasión por el country y el bluegrass marcó el rumbo inicial del grupo. (dejó el grupo en 1975)
Bajo/Voz, RANDY MEISNER (nacido el 8 de marzo de 1946 en Scottsbluff, Nebraska) era un entusiasta de los coches y las motos que prefería pasar el tiempo con su familia a tocar el bajo en una banda de rock and roll. (abandonó el grupo en 1977)

Miembros posteriores [editar]Guitarra/Voz, DON FELDER (nacido el 21 de septiembre de 1947 en Topanga, California) (llegó al grupo en 1974, le despidieron en 2001)
Guitarra/Voz, "Average" JOE WALSH (nacido el 20 de noviembre de 1947 en Wichita, Kansas) sustituyó a Bernie Leadon. (se unió al grupo en 1975)
Bajo/Voz, TIMOTHY B. SCHMIT (nacido el 30 de octubre de 1947 en Oakland, California, criado en Sacramento, California) sustituyó a Randy Meisner. (llegó al grupo en 1977)

Historia [editar]La historia de Eagles comienza cuando Glenn Frey (cantante, guitarrista y compositor) y su amigo Don Henley (batería y cantante) se unen a la banda que acompañaba a Linda Rondstand en la grabación de su disco "Silk Purse". Tras dos años de colaborar con dicha banda, ambos deciden abandonarla para crear su propio grupo. Para ello invitan a los músicos Bernie Leadon (cuerda) y Randy Meisner (bajo) a participar en el proyecto. A ellos se les unieron posteriormente Joe Walsh (guitarra y coros), Don Felder (guitarra) y Timothy B. Schmit (bajo).

The Eagles debutaron en 1972, rescatando el sonido sureño, mezclándolo con un exquisito toque de guitarra y un toque de rock un tanto suave, además de pinceladas de country y western. El primer álbum de Eagles fue "Take it easy", cuyo primer sencillo llevaba el mismo nombre.

El tercer álbum de Eagles apareció en 1975 bajo el título de "On the Border", en el que destacó la balada "The best of my love", que llegó al número uno en las listas. El siguiente trabajo de la banda fue ,Montalbano, "One of These Nights", que plasmaba la desilusión de la juventud estadounidense a mediados de la década de los setenta. Tras las presiones para la publicación de este disco, Bernie Leadon abandonó los Eagles, siendo sustituido por Joe Walsh, quien introdujo en la banda un mayor peso del rock.

En 1976 Eagles publica su mejor álbum y el más vendido. El título era "Hotel California", que terminó de catapultar a los Eagles a la cima de la fama y con el que ganaron un Grammy. En "Hotel California" los Eagles aportan su visión agridulce de la sociedad estadounidense a través de las ventanas de un hotel que representa metafóricamente el mundo de las drogas. "Hotel California" es uno de los discos más vendidos de la historia y su tema estrella y que le da título ha sido reconocida como una de las mejores canciones, y aun hoy en día sigue apareciendo en las listas de las 10 canciones más importantes de la historia de la música. De ese álbum se extrajo una frase que pasó a formar parte del lenguaje popular estadounidense: "vivir en la vía rápida" (Life in the fast lane). Tras la aparición de "Hotel California" Randy Meisner abandonó la banda, siendo sustituido por por Timothy Schmit.

El sexto álbum llevaba el título de "The Long Run", y supuso la ruptura de la formación. El disco resultó un éxito, con temas como "Heartache Tonight," "The Long Run" y "I Can't Tell You Why", pero los miembros de la banda ya habían decidido su futuro. Corría el año 1980. Don Henley, Glenn Frey y Joe Walsh iniciaron carreras en solitario.

En 1994, tras catorce años de separación, los Eagles deciden unirse de nuevo para seguir tocando. Su primer trabajo de esta nueva época es el álbum "Hell Freezes Over" (El Infierno se congela), con cuatro nuevos temas y 11 éxitos anteriores.

En 2003 Eagles publica un doble disco recopilatorio con sus mejores temas. El título es "The complete greatest hits".


Discografía [editar]
Álbumes de estudio [editar]1972 Take it easy #22 US (Platinum)
1973 Desperado #41 US (2x Platinum), #39 UK
1974 On the Border (En el límite) #17 US (2x Platinum), #28 UK
1975 One of These Nights #1 US (4x Platinum), #8 UK
1976 Hotel California #1 US (16x Platinum), #2 UK
1979 The Long Run #1 US (7x Platinum), #4 UK
2007 Long Road Out of Eden

Recopilatorios y discos en directo [editar]1976 Their Greatest Hits (1971-1975) (recopilatorio) #1 US (28x Platinum), #2 UK [#1 selling US álbum of All Time]
1980 Eagles Live #6 US (7x Platinum), #24 UK
1982 The Eagles Greatest Hits, Vol. 2 (recopilatorio) #52 US (11x Platinum)
1984 The Best of the Eagles (recopilatorio para Europa) #8 UK
1994 The Very Best of The Eagles (1994) (recopilatorio para Europa) #4 UK
1994 Hell Freezes Over (live álbum) #1 US (8x Platinum), #18 UK
2000 Selected Works: 1972-1999 (box set) #109 US (1x Platinum)
2001 The Very Best of the Eagles (2001)' (recopilatorio para Europa) #3 UK
2003 The Very Best of the Eagles (2003) (Recopilatorio) #3 US (3x Platinum), #27 UK (denominado The Complete Greatest Hits en Europa)

sencillos [editar]de Eagles
1972 "Take It Easy" (Cálmate)#12 US
1972 "Witchy Woman" (Mujer bruja) #9 US
1972 "Peaceful Easy Feeling" (Sentimiento de paz y tranquilo) #22 US
de Desperado
1973 "Tequila Sunrise" #64 US
1973 "Outlaw Man" (Hombre forajido) #59 US
de On the Border
1974 "Already Gone" (Ya no estoy)#32 US
1974 "Best of My Love" #1 US
1974 "James Dean" #77 US
de One of These Nights
1975 "One of These Nights" #1 US, #23 UK
1975 "Lyin' Eyes" (Ojos mentirosos) #2 US, #23 UK
1975 "Take It to the Limit" #4 US, #12 UK
de Hotel California
1976 "New Kid in Town" #1 US, #20 UK
1977 "Hotel California (song)|Hotel California" #1 US, #8 UK
1977 "Life in the Fast Lane" #11 US
non-álbum single
1978 "Please Come Home for Christmas" #18 US, #30 UK
de The Long Run
1979 "Heartache Tonight" #1 US, #40 UK
1979 "The Long Run" #8 US
1980 "I Can't Tell You Why" (No puedo decirte por qué)#8 US
de Eagles Live
1980 "Seven Bridges Road" (La carretera de siete puentes) #21 US
de Hell Freezes Over
1994 "Get Over It" #31 US
1994 "Love Will Keep Us Alive" #1 (Adult Contemporary) US
de The Very Best of the Eagles
2003 "Hole in the World" (Agujero en el mundo) #69 US

jueves, 4 de octubre de 2007

Voces Sin Fronteras "Un Album Semi Censurado"

Este Album tan hermoso, dedicado a la venida del Papa Juan Pablo II, sin duda una obra de arte,que nos emocionó cuando lo escuchamos por primera vez, quisiera mostrarles videos de aquel album en esta página, pero no hay videos en internet, tampoco esta en ninguna parte el disco ni en disquerías, ni en internet. Espero mostrarles videos de los artistas que en el album participaron.
Espero que con el cambio de condiciones politicas de nuestro país, podamos tener una reedición de aquel, se que salió Un Voces Sin Fronteras II en el extranjero, también trataré de saber de aquel Album para mostrarselos, paciencia.

Voces sin fronteras
Artista: Cecilia Echenique
Florcita Motuda
Eduardo Gatti
Gervasio
Fernando Ubiergo
Julio Zegers
Oscar Andrade
Tati Penna

Año: 1987
Sello: EMI Odeon

Datos: Registro realizado a propósito de la visita del Papa Juan Pablo II a Chile, y grabado en conjunto con músicos argentinos. Su difusión fue polémica y semi censurada dada la connotación política que tomó el registro. En su presentación ante el Pontífice, la visita de los artistas argentinos fue prohibida por el gobierno militar.

domingo, 23 de septiembre de 2007

John Fogerty "Genio y Figura del Rock"




novedades de estos dos días de septiembre para lo nuevo de uno de los grandes. John Fogerty, alma de la Creedence, publica Revival, su nuevo trabajo. Aunque estuvo, salvo fantásticas excepciones como Centerfield, bastante silencioso en las décadas de los ochenta y noventa, Fogerty se muestra mucho más activo en estos primeros años del siglo. Y con mejor humor y más directo y simple que en sus anteriores trabajos.

Biografía de John Fogerty

Nació el 28 de mayo de 1945 en Berkeley, California. En un colegio secundario de un suburbio de San Francisco conoce a Doug “Cosmo” Clifford y Stu Cook y así a los catorce añitos deciden formar un grupo de rock, se llamarían “The Blue Velvets”, nombre que se modificaría tres meses después al entrar Tom Fogerty (era tres años mayor que los otros y tenía algo más de experiencia musical) y quedó como “Tommy Fogerty & ... Durante cinco años hicieron shows en fiestas locales y sacaron algún que otro single.

En 1964 firman contrato con Fantasy Records y deciden cambiar de estilo musical y de nombre: se llamarían The Golliwogs (muñecas de trapo) y su música seria la de la invasión británica: el beat acomodado a su estilo. Canciones pop cantadas por la voz más suave de Tom. Sacarían siete singles. Luego a principios de 1968 John conocerá a Saul Zaentz, que compra la Fantasy y les propone nuevo cambio de nombre, ellos deciden llamarse Creedence Clearwater Revival, todo un señor nombre en contraposición al que le impusieron The Golliwogs.

Parecía todo un mundo pero sólo eran cuatro años más tarde cuando John ya estaba preparando su primer disco en solitario (aun no se había oficializado la separación de CCR) bajo el nombre de The Blue Ridge Rangers, lo de Rangers era mentira pues John se lo hacía todo el sólito. Saca tres singles en 1972 y el disco aparece en la primavera de 1973.

No contento con la marcha de su carrera en solitario (demasiado country) empieza a haber un giro en su carrera y a principios de 1974 decide finalizar contrato con la Fantasy, lo que le costará un juicio con Saul Zaentz en el que perderá de los derechos de todas las canciones de la Creedence, a partir de aquí el maloso Saul se dedica a sacar directos y recopilaciones de CCR a ser posible cuando John edite sus discos. Así aparecieron entre otros: Live in Europe (con actuaciones sin Tom) In Concert (con los cuatro al completo) y los famosos Chronicle.

La última reunión oficial en disco de los cuatro muchachos fue en el disco de Tom Zephyr National de 1974. John aparecía en los créditos solo como guitarrista. La última en directo fue una jam en la boda de Tom a principios de los 80. Luego en el 83 John, Stu y Cosmo tocan en el colegio donde formaron su primer grupo. Al morir Tom en 1990 la posibilidad de ver a los cuatro juntos de nuevo se esfumó.

Volvamos a la carrera de John que parece va a ser interesante. El disco con su nombre tuvo cierto éxito y la decisión de no tocar ningún tema de la Creedence hace augurar que se va a dedicar de pleno a su carrera en solitario. No va a ser así, puesto que en 1976 tiene preparado un disco que nunca saldrá a la venta. Según él en esa época estaba muy confuso y el disco era de floja calidad, así que decidió con su nueva discográfica no sacarlo y luego de una nueva regrabación tres años después decidio destruirlo.

Vino el punk, la new wave, la cool wave, los nuevos románticosss y de John no se sabe nada de nada, está mas perdido que una aguja en un pajar. Afortunadamente se encontró entre 1985 y 1987 y sacó dos discos, uno de ellos todo un éxito: Centerfield. Además formó una banda para girar y el día de la independencia de los States de 1987 tocó temas por primera vez temas de Creedence desde 1972. Pero tanto recordar los viejos tiempos también le recordó al amigo Saul Zaentz, con el que se lió en más problemas judiciales, todos provinientes de su trabajo de 1985 Centerfield.

Vinieron más y más modas musicales y a John se lo había tragado el tiempo. A parte de sus problemas con Zaentz sólo se sabe de él:

1) Que se ha vuelto a casar

2) En 1995 Stu y Doug le invitan al nuevo proyecto de reflotar CCR a lo que él dice que no gracias (estaba preparando el nuevo disco)

3)Se enzarza en problemas judiciales con ellos por utilización indebida del nombre (al final del problema la R se convertiría en REVISITED).

Por fin en 1997 aparece nuevo disco del maestro, un gran trabajo Blue Moon Swamp, por el que gana un grammy (eso no tiene valor alguno: los gana también el hijo del Iglesias) y al año siguiente uno en directo en el que toca temas de su carrera en solitario y de CCR (por aquello del pique con CCRevisited).

A finales de junio hemos visto en periódicos y TV que John está haciendo campaña junto a otros artistas famosos para intentar echar a ese portento político llamado Bush (salió agua), y ahora a finales de septiembre por fin nuevo disco. Bueno, esta vez solo ha tenido que pasar siete años para ver un nuevo trabajo de John. Es de suponer que el año próximo veremos algo más de este gran caballero, ya que siempre aparece y desaparece después de grabar un par de discos.

miércoles, 5 de septiembre de 2007

Grupo Kansas

Estas fotos fueron Tomadas cuando participaron en el Festival de Viña del Mar






KANSAS
Es probablemente el grupo clásico más importante y mayor representante del rock progresivo de los Estados Unidos. Como muchos grupos de la década de los '70, KANSAS empezó como una banda de garaje. Afortunadamente para ellos, la mancuerna que lograron junto a Wally GOLD (su descubridor) y la originalidad de su propuesta hizo que, desde el lanzamiento de su primer álbum en 1974, el grupo se convirtiera en el protagonista de una serie de sucesos exitosos cuya extensión alcanzaría una trayectoria de más de 30 años: sus primeros ocho álbumes de estudio alcanzaron ventas que los colocaron como álbumes de oro, siendo "Leftoverture" y "Point of Know Return" (además del compilado "Best of") los más vendidos, alcanzando por seis ocasiones el reconocimiento de discos de platino. Su álbum en vivo "Two for the Show" alcanzó el disco de platino también, y el sencillo 'Dust in the wind' vivió durante 200 semanas el las listas de popularidad, mientras que 'Carry on wayward son' fue el tema que más se programó en radio de rock clásico en 1997. Conciertos con localidades agotadas por el norte de los Estados Unidos, Europa y Japón, un álbum con la LONDON SYMPHONY ORCHESTRA, un retorno triunfal de la alineación original con "Somewhere to Elsewhere" tras 20 años de no haber tocado juntos... en fin, una serie de sucesos que aún ahora los coloca como uno de los grupos de música rock más importantes de la historia. Con un estilo musical mejor identificado como hard progresivo y rayando en el progresivo sinfónico, KANSAS puso tres conceptos de mucha calidad antes de obtener su disco "Leftoverture", el que les daría su merecida reputación, reconocimiento internacional y el inicio de una lucha de sonidos entre el bien y el mal. A partir de "Point of Know Return" parece imposible dejar de escribir una balada comercial y aunque algunas se volvieron inmortales y otras símplemente fueron buenas, nunca decidieron qué era más importante: si seguir por el camino áspero "de hacer y mantener un sonido diferente" o por el terso cuyos logros se agradecen al sonido comercial.

hacía una mixtura entre el típico rock americano y el rock progresivo, tan popular en esa época, estaba formado por Kerry Livgren (guitarra líder, piano, sintetizadores y voz), Robby Steinhard (violín eléctrico, cello, viola y voz), Phil Ehart (percusión y batería), Dave Hope (bajo), Rick Williams (guitarras), y Steve Walsh (órgano, piano, sintetizadores, percusión y voz), con esta formación se mantuvo varios años y con ella grabó el album "Point Of Know Return", donde viene el tema Dust In The Wind. Otros albumes excelentes de este grupo son su album debut "Kansas", "Leftoverture", "Ausiovisions", "Monolith", y "Freaks Of Nature". El grupo después tuvo varios cambios en su formación llegó a tocar en él Steve Morse (guitarrista actual de Deep Purple), hasta su desintegración, aunque se han reunido y tocaron en el Festival de Viña del Mar, pero no sé si han grabado algo nuevo. Si tienen oportunidad de que se consigan los discos que les nombré, haganlo es un grupo muy bueno, y sus arreglos eran muy imaginativos. les recomiendo nombres de canciones Carry On A Wayward Son, Sparks Of The Tempest, People Of The Southwind, Byzantium, Fight Fire With Fire, Nobody's Home, Point Of Know Return, Miracles Of Nowhere, Magnum Opus, Closet Chronicles, Cheyenne Anthem, Curtain Of Iron, The Pinnacle, Hold On.(En todo caso les dejo 4 videos en que salen los temas que le nombre)

Al grupo Kansas le resultó "muy entretenido" cantar en la Quinta Vergara

En el sector de backstage el guitarrista Richard Williams se refirió al paso del grupo rock estadounidense por el Festival de Viña del Mar.
"Me pareció muy bien, muy entretenido", señaló Richard Williams, guitarrista del grupo Kansas, al comentar la performance del veterano grupo de rock estadounidense cuya presentación se vio coronada con la entrega de una Antorcha de Plata.
"Hemos hecho esto antes", indicó a Radio Cooperativa en el sector de backstage cuando fue consultado sobre si para ellos era novedad el haber formado parte de la parrilla de un festival.
Williams, integrante de la agrupación que fue contratada tras la baja de Journey, adelantó que dejarán Chile la noche de este domingo, a fin de proseguir con su agenda de trabajo, la cual contempla la realización de dos conciertos en la ciudad de Las Vegas, a principios del mes de marzo.

Los estadounidenses actuaron en la Quinta Vergara por casi una hora, en una actuación cuyo feedback con el público fue en aumento y cuyo clímax se produjo a la hora de interpretar "Dust in the wind".

Lo que más me gusta de este grupo es un toque sinfónico en sus interpretaciones, que lo hacen ser un grupo único en su categoría, que sin duda marco una generación a partir de los años 70.

domingo, 2 de septiembre de 2007

LA TENTACION DE DOS TALENTOS (ELVIS Y JANIS)

ELVIS PRESLEY


Aquí les dejó 2 videos buscando en el baúl de los recuerdos, en el que uno no puede concebir como 2 talentos tan magnÍficos puedan sucumbir al flagelo de la droga y el alcohol, ambos muertos de la misma manera y siendo tan jóvenes.

Lugar y Fecha de Nacimiento:
Tupelo, Mississippi (USA), el 8 de enero de 1935

Su historia:
Hijo de Vernon y Gladis Presley, fue fruto de un embarazo gemelar, aunque su hermano gemelo murió al nacer. Presley pasó su infancia y adolescencia en Memphis, donde trabajó de camionero. Su padre le compró su primera guitarra al cumplir 10 años. Desde niño, le apasionaba por igual la música blues, el gospel, así como la música country y el pop, incluyendo los temas musicales favoritos de su madre, que incluían la música mexicana y la ópera. Su cantante favorito era el tenor Mario Lanza, pero tenía gran predilección por Dean Martin, así como por Arthur Crudup, y todos los cantantes y músicos de lo que se llamaba entonces la música blues rural.

A los 19 años, como regalo de cumpleaños para su madre, grabó un disco con dos temas en los estudios Sun Records, "My Happiness" y "That's When Your Heartaches Begin". El propietario de la compañía, Sam Phillips, no llegó a oírlo, hasta que regresó dos veces más, también grabando dos canciones en cada oportunidad, luego de lo cual quedó gratamente sorprendido. Tres meses después, le contrató para grabar un disco que tendría gran éxito en Memphis.

Muchos consideran que Presley fue el creador del rockabilly, una fusión del country y del blues. Con la edición de su primer tema de este género, "That's All Right, Mama", de Arthur Crudup, creó una de las imágenes más clásicas del rock and roll. Habiendo conquistado la ciudad de Memphis, así como algunos mercados regionales en el sur de los Estados Unidos, en 1955, fue observado por Tom Parker quien gestionó, a finales de ese año, su traslado de la pequeña discográfica Sun Records, a la RCA, a cambio de 35.000 dólares, y un Cadillac para Presley.

Con su primer tema para la RCA, "Heartbreak Hotel", consiguió su primer número uno, de los 18 que consiguió en su carrera en Estados Unidos. Su modo de bailar, con sus movimientos pélvicos, resultó escandaloso, aunque entusiasmó a los jóvenes. En algunos programas de televisión, como lo fue durante su tercera aparición en el show de Ed Sullivan, sólo se le enfocó de cintura para arriba. Antes de su ingreso al servicio militar, rompió todos los récords de venta, alcanzando 11 #1 seguidos en la lista de sencillos, y 4 #1 en la de los discos de larga duración. Interpretó, asimismo, cuatro películas, todas enormes éxitos de taquilla.

Tumba de Elvis Presley, Graceland, Memphis, Tennessee.Entre 1958 y 1960 estuvo ausente de los escenarios para realizar el servicio militar en Alemania. Su regreso al escenario fue espectacular, al aparecer como estrella invitada en el programa de Frank Sinatra con quien cantó una canción. Recibió 125.000 dólares por su actuación, que duró unos diez minutos.

En los años 60 Presley se dedicó a actuar en películas de mediana calidad, rodando unas tres películas por año, hasta un total de 31. En 1965 le comentó a John Lennon respecto a su próxima película: "Seré un chico de campo que conoce chicas y canta canciones. La última vez que nos alejamos de esa fórmula perdimos dinero". Presley admiraba sinceramente a los Beatles pero, luego, al estos cambiar su imagen a finales de los anos sesenta, los acusó de inducir a la juventud a consumir drogas. Su hegemonía en el mundo del rock llegó a su fin en 1964.

En 1967 Presley se casó con Priscilla Beaulieau, con la que tuvo un año después a su hija Lisa Marie. En 1968, volvió al top de los hits parades norteamericanos luego de un exitoso show de televisión. Su último gran concierto lo ofreció en Hawaii, en 1973, evento que fue presenciado por más de 1.000 millones de telespectadores en 40 países. Durante los cuatro años siguientes, su salud, debido a los excesos, se fue debilitando cada vez más, hasta que finalmente falleció en Memphis, en su mansión, Graceland, el 16 de agosto de 1977.

ELVIS PRESLEY


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JANIS JOPLIN



Janis Joplin
nació en 1943 en Port Arthur, Texas, donde realizó sus primeros estudios. Comenzó carrera en la Universidad de Texas, donde colaboraba con una banda llamada 'Waller Creek Boys', en la que se mezclaba el blues con el rock. Por aquel entonces ya era preocupante su adicción al alcohol.

En 1963 se fue a San Francisco, donde cantaba en locales nocturnos de poca monta. Allí se aficionó a las anfetaminas y sus amigos la devolvieron a casa dos años más tarde.

En 1966 regresó a San Francisco y se unió a la banda 'Big Brother And The Holding Company'. Se hicieron muy conocidos en la ciudad. El prestigió de Janis Joplin creció, y llegaron a tocar en el 'Monterrey Pop Festival', lo que les valió que una importante discográfica se fijara en ellos y les propusiera publicar un disco.

Pronto editaron un disco, el segundo de la banda, que se convirtió en un gran éxito: 'Cheap Thrills'.

En 1968 Janis abandonó el grupo por discrepancias con el resto de los miembros. El éxito no les sentó demasiado bien.

En 1969, Janis Joplin dio un paso adelante creando un grupo llamado 'Janis and the Joplianaires', junto al 'Big Brother' Sam Andrew y un puñado de buenos músicos. Posterormente cambiarían el nombre de la banda por el de 'Kozmic Blues Band'.

Con la 'Kozmic Blues Band' grabó un nuevo álbum: 'I Got Dem Ol'Kozmic Blues Again, Mama!', el cual fue recibido con frialdad por el público. Además, los conciertos en directo eran un desastre. A pesar de que en el disco se notaba el mal estado de Janis, víctima de su consumo desmedido de alcohol, el disco tenía alguna buena interpretación de la vocalista.

Su fama se fue deteriorando poco a poco y comenzó a darle a la heroína, que se llevaría su vida por delante el 4 de octubre de 1970, cuando falleció en Los Angeles por una sobredosis.

A título póstumo se publicó el último disco en el que estaba trabajando, 'Pearl', que contaba con colaboraciones de Kris Kristofferson y de Bobby McGee, además de una renovada 'Kozmic Blues Band'



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viernes, 31 de agosto de 2007

CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL


Dentro de mis favoritos estan los Creedence, sin duda que uno de los grupos de Rock Clásico que más me llega, tal vez sea su fusión con el Folk o country que lo hace ser más liviano y agradable al oido, este grupo estadounidense comence a escucharlo, cuando estaba en la Enseñanza Media, aproximadamente entre los años 1973 y 1976.
Los Creedence Clearwater Revival, generalmente referenciado como CCR o simplemente Creedence, es el nombre de una agrupación de rock clásico fusionado con country de fines de los 60, liderada por John Fogerty.

Integrantes
John Fogerty: guitarra y voz (compositor principal y líder de CCR)
Tom Fogerty: guitarra rítmica (hasta 1971)
Stu Cook: bajo
Doug Clifford: batería

Historia
La banda comenzó como The Blue Velvets, formada por Tom Fogerty en El Cerrito, California en los años 1950. A mediados de 1960 la banda firma contrato con Fantasy Records y lanza su primer álbum: “Creedence Clearwater Revival” y su famoso single “Suzie Q” (partes 1 y 2). En el álbum Willy and the Poor Boys se notó gran crítica social, contrariedad al armamentismo nuclear y a las presiones político-militares. Permanecieron juntos durante unos años, pero luego de los sencillos “Have you ever seen the rain” y “Hey tonight”, se corrieron rumores de la separación del grupo. En febrero de 1971 Tom Fogerty se separó del grupo y siguió como solista, la calidad de la banda comenzó a caer y en octubre de 1972 se disolvió oficialmente la banda. Desde 1993 Creedence Clearwater Revival forma parte del Rock And Roll Hall Of Fame.

La historia Oficial.

El grupo comenzó como cualquier otra banda de pueblo. Buscando oportunidades recorrieron desde presentaciones en fiestas hasta llegar a ser en 1965 "The Gooliwoogs" una agrupación que tenía, por exigencia de su manager, un estilo muy "Beatle" tanto en su música como en su indumentaria (usaban pelucas blancas y uniformes militares como Los Beatles usaban smoking y peinados idénticos).

En 1968 bajo el lema "Hazlo u olvídalo" se decidieron a hacer lo que ellos sabían. Con la potencia en la voz y las letras de John Fogerty y la armoniosa rítmica de Tom Fogerty, Stu Cook y Doug Clifford, editaron los singles "Suzie Q partes 1 y 2" y "I put a Spell On You / Walk on The Water" que rompieron con todos los esquemas de la época así como el álbum que los contenía, "Creedence Clearwater Revival" el cual abarcaba diversos estilos. Desde la psicodelia (Gloomy) hasta el crudo blues (Get Down Woman).

En 1969 editan "Bayou Country" en el cual abunda un estilo que caracterizó a CCR: el "Swamp Rock" o "Rock de los Pantanos". Con temas como "Born on the Bayou" y "Keep on Chooglin'". Sin dejar de mencionar a unas de las mejores letras de canción de todos los tiempos: "Proud Mary". LP que se convertiría rápidamente en disco de Platino.

Ya a estas alturas, "Creedence Clearwater Revival" había destronado a "The Beatles" y a "The Rolling Stones" de los primeros puestos de los Rankings.

Ese mismo año editan "Green River y "Willy and the Poor Boys" que también se convierten en disco de platino.

En 1970 editan "Cosmo's Factory" el cual se convierte en Disco Triple Platino por haber vendido más de tres millones de copias. Hoy en día se obtiene esta distinción con solo vender cien mil.

En 1971 editan "Pendulum" un álbum tal vez no muy comercial, pero es una verdadera pieza de colección para quienes conocen la banda.

En 1972, ya sin Tom Fogerty, editan "Mardi Gras" un álbum muy bien producido pero sin mucho brillo por la presión ejercida por parte de la discográfica, la cual, según Stu Cook, les obligó a hacer composiciones individuales. Doug Clfford dijo "nos dijeron que si no lo hacíamos la banda se separaba. No nos dimos cuenta que esto pasaría de todas maneras y nos echarían la culpa a nosotros".

En la actualidad Creedence Clearwater Revival es una de las bandas que más se escucha y que más Hits tiene pese a su corta discografía (solo 65 canciones de las cuales hay 40 en las recopilaciones Chronicle y Chronicle II). El mismo Elvis Presley dijo hace casi cuatro décadas: "Creedence es una de esas bandas que en la actualidad se escucha mucho y se escuchará más dentro de treinta años".

Discografía Creedence Clearwater Revival (1968)
Bayou Country (1969)
Green River (1969)
Willy and the Poor Boys (1969)
Cosmo's Factory (1970)
Pendulum (1970)
Mardi Gras (1972)
Live in Europe (1973)
The Concert (grabado en el Oakland Coliseum, California, el 31 de enero de 1970; editado en (1980)
The Creedence Clearwater Revival Definitive Collection (1993)
Creedence Clearwater Revival: Box Set, 6 CDs (2001)
Bad Moon Rising: The Best of Creedence Clearwater Revival (2003)

Aquí les dejo unos videos de los CCR, de sus temas más conocidos, y observen hay como 3 videos que son de su participación en Chile en 1999, disfrutenlo

domingo, 19 de agosto de 2007

The Police, Un grupo con Conciencia Social

The Police es una agrupación inglesa de soft rock y New Wave. Se formó en 1977 y se separó en 1985. En el momento de su separación, era el grupo más popular y con más ventas del mundo.

The Police se reunió para la entrega de los premios Grammy en febrero del 2007 e interpretó Roxanne. Este año se embarcan en una gira mundial que los llevara a tocar en más de 20 países, 21 años después de su último concierto [1] [2].

Componentes

Sting (Gordon Sumner) (Newcastle, Inglaterra, 1951), bajo y principal vocalista
Andy Summers (Blackpool, Inglaterra, 1942), guitarra
Stewart Copeland (Alyxandria, Estados Unidos, 1952), batería

Estos videos The Police, son de la presentación que tuvieron en Chile, en la Quinta Vergara en 1982.



Algunos de los mayores éxitos comerciales de la banda fueron las siguientes canciones:

"Roxanne"
"Can't Stand Losing You"
"Every Breath You Take"
"Message in a Bottle"
"Walking on the Moon"
"So Lonely"
"Every little thing she does is magic"
"De do do do,de da da da"

Su estilo pasó del pop-punk de sus inicios (Outlandos d´amour) al reggae blanco que practicaron en Reggatta de Blanc, explotando su éxito en todo el mundo con su LP (Zenyatta Mondatta) al cual le seguiría Ghost in the Machine. Terminaron su carrera con un disco reconocido por la critica como una de sus mejores producciones: Synchronicity, en la cual se encuentra uno de sus tema más conocidos, Every Breath You Take.

Liderados por Gordon Matthew Sumner, más conocido como Sting (nombre que siginifica "avispa" en ingles, y que deriva de un jersey de rugby a rayas amarillas y negras, en plan avispa, ya que el bajista siempre llevaba puesto en su juventud), Police fue uno de los conjuntos británicos con mayor éxito comercial en los años 70 y 80 gracias a su impetuoso pop-rock nuevaolero enriquecido por algunas dosis de reggae y un talento instrumental y compositivo bastante notable.


Historia
El trío, además del cantante y bajista Sting (nacido el 2 de octubre de 1951 en Tyne and Wear), estaba compuesto por el batería Stewart Copeland (nacido el 16 de julio de 1952 en la localidad estadounidense de Alexandría) y el guitarrista Henry Padovani, quien pronto sería sustituido por el experimentado Andy Summers (nacido el 31 de diciembre de 1942 en Lancashire), un músico que ya contaba con un largo recorrido en la música rock, pues había estado en bandas como The Animals o Zoot Money. También había tocado con Kevin Ayers o Neil Sedaka.

En 1977, tras foguearse en distintas formaciones inglesas de jazz y rock progresivo, el terceto dio inicio a su andadura musical el la escena punk con el apoyo de su representante Miles Copeland, el hermano de Stewart. Su debut se produjo con el single “Fall out”, canción compuesta por Stewart que fue editada en el sello independiente IRS. El tema recogió una notable resonancia, hecho que llegó a oídos de los altos directivos de A&M, con quien comenzaron a grabar en 1978.

Allí publicaron el sencillo “Roxanne”, tema escrito por Sting, el alma de la banda, que en su primera edición no consiguió llamar la atención. La canción se incluyó en su primer disco grande, “Outlandos D’Amour” (1978), sin duda uno de sus mejores trabajos y el más enérgico e inmediato, en donde sonaban clásicos como el citado “Roxanne”, “So lonely” o “Can’t stand losing you”. Además otras piezas menos conocidas como “Next to you” o “Born in the 50’s” formaban parte de un LP extraordinario.

Este brillante inicio de su discografía se confirmaría con discos que copaban los listados de ventas de toda Europa como “Regatta de Blanc” (1979), LP con temas excelentes como “Message in a bottle” o “Walking on the moon”, y “Zenyatta Mondatta” (1980), el álbum que coronó a la banda también en los Estados Unidos (número 5 en en el Billboard) gracias a canciones como “Don’t stand so close to me” o “De do do do, de daa daa daa”. Estos dos últimos discos fueron co-producidos con la banda por Nigel Gray, quien había ocupado puesto de ingeniero de sonido de su debut.

Traspasados los años 80 The Police fue abandonado su condición new wave-reggae para centrarse en su vertiente más pop. Así sucede en “Ghost in the machine” (1981), un disco producido por Hugh Padgham que incluye los singles “Spirit in the material world”, “Invisible sun” y “Every little thing she does is magic”. El éxito permanecía invariable en el viejo continente, alcanzando el número 2 en los Estados Unidos.

Finalmente, las tensiones y egos entre los distintos componentes provocaron la disolución final del trío.

Sting inició una carrera en solitario llena de triunfos comerciales en donde había lugar para el pop con ínfulas jazz, soul o AOR.

Copeland tendió, entre otros proyectos, hacia la composición de bandas sonoras. Mientras aun militaba en The Police editó varios Ep´s bajo el seudonimo Klark Kent, y despues de la separacion de Police formó parte de conjuntos como Animal Logic o el más reciente Oysterhead, junto al bajista y cantante de Primus, Les Claypool el guitarrista Trey Anasthasio de phish. Cooperó también tocando la batería en algunas piezas del álbum So de Peter Gabriel.

Por su parte, Summers colaboró con grupos de rock progresivo y jazz.


Discografía Outlandos d'Amour (1978)
Reggatta de Blanc (1979)
Zenyatta Mondatta (1980)
Ghost in the Machine (1981)
Synchronicity (1983)
Every Breath You Take: The Singles (1986)
Greatest Hits (1992)
Message in a Box: The Complete Recordings (1993)
Every Breath You Take: The Classics (1995)
Live! (1995)
The Very Best of Sting & The Police (1997, 2002)


The Police celebró sus 30 años con disco recopilatorio
Este lunes 11 de junio el trío de Sting, Summers y Copeland lanzó el álbum doble con los grandes éxitos de sus tres décadas de vida.




Listado completo del álbum

Disco uno (56 minutos)
1. "Fall out" primer sencillo (1977).
2. "Can't stand losing you" de "Outlandos d'amour" (1978).
3. "Next to you" de "Outlandos d'amour" (1978).
4. "Roxanne" de "Outlandos d'amour" (1978).
5. "Truth hits everybody" de "Outlandos d'amour" (1978).
6. "Hole in my life" de "Outlandos d'amour" (1978).
7. "So lonely" de "Outlandos d'amour" (1978).
8. "Message in a bottle" de "Reggatta de blanc" (1979).
9. "Reggatta de blanc" de "Reggatta de blanc" (1979).
10. "Bring on the night" de "Reggatta de blanc" (1979).
11. "Walking on the moon" de "Reggatta de blanc" (1979).
12. "The bed's too big without you" de "Reggatta de blanc" (1979) (UK only).
13. "Don't stand so close to me" de "Zenyatta mondatta" (1980).
14. "Driven to tears" de "Zenyatta mondatta" (1980).
15. "Canary in a coalmine" de "Zenyatta mondatta" (1980).
Disco dos (64 minutos)
1. "Do Do Do Do De Da Da Da" de "Zenyatta mondatta" (1980).
2. "Voices inside my head" de "Zenyatta mondatta" (1980).
3. "Invisible sun" de "Ghost in the machine" (1981).
4. "Every little thing she does is magic" de "Ghost in the machine" (1981).
5. "Spirits in the material world" de "Ghost in the machine" (1981).
6. "Demolition man" de "Ghost in the machine" (1981).
7. "Rehumanize yourself" de "Ghost in the machine" (1981) (UK only).
8. "Every breath you take" de "Synchronicity" (1983).
9. "Synchronicity I" de "Synchronicity" (1983).
10. "Wrapped around your finger" de "Synchronicity" (1983).
11. "Walking in your footsteps" de "Synchronicity" (1983).
12. "Synchronicity II" de "Synchronicity" (1983).
13. "King of pain" de "Synchronicity" (1983).
14. "Murder by numbers" de "Synchronicity" (1983).
15. "Tea in the Sahara" de "Synchronicity" (1983).

viernes, 17 de agosto de 2007

La pobreza No puede esperar "reflexionemos en el Mes de la Solidaridad"

Cuando la Música, se convierte en un medio para llamar la atención y sensibilizar al mundo por ciertos errores que se cometen, voluntarios e involuntarios y en que los artistas con su bendita sensibilidad nos hacen ver, debemos hacerlo público, debemos promocionarlo, e aquí diferentes talentos musicales que nos hacen ver una cruda realidad, que no queremos ver, porque ya sea, que no nos conviene, o simplemente es un medio para negociar las riquezas a costa de la pobreza.
A todos nos duele la pobreza, todos sabemos que existe,pero quien hace algo, nadie ahí sigue y sigue, creciendo por sobre todo, para mi la pobreza no va existir, cuando no hablemos más de Fundaciones para ayuda de la pobreza, cuando no hablemos más de un techo para los pobres o donaciones para los más pobres o trabajo para un hermano, para mi la pobreza ya no existirá cuando todos tengan un techo digno, un trabajo digno, donde todos tengan las mismas oportunidades de estudiar, de medicina,de trabajo, donde no exista la discriminación. En ese momento sabre que se erradicó la pobreza, pero no es tan fácil, por que para los que tienen poder la pobreza es un negocio rentable, con ellas evaden impuestos, aduciendo su generosa ayuda a los más pobres (por supuesto que hay escepciones y muy nobles, pero son excepción a la regla). Hace mucho escribí al ver una familia muy humilde que vendían en la calle, que se sacrificaban por darle estudios y alimentos a sus hijos, una de sus hijas era amiga mía y al ver su pobreza me sentí muy mal, cobijada en mi hogar de niña veinteañera, con todas las comodidades y recordar cuando fui a su hogar y ver que el piso era de barro y las paredes forradas con carton y algunas ventanas con plástico, dolor y sentido de culpa sentí y escribí con cierta impotencia e ingenuidad:

"Detrás de los muros emergen vidas de sueños y esperanzas
de ideas construidas en el aire, de trabajo esforzado y de recompensa mísera.
Ahí están los que por olvido no alcanzaron las migajas del pan repartido,
Los que con los ojos te miran con desdicha y que con tus ojos evitas a sabiendas que con tu prisa esas almas suplicantes quedarán olvidadas por el momento, pero latente en tu consciencia.

No olvides a tu hermano, comparte más allá de lo material que poseas,
comparte su dolor, comparte su alegría y por sobre todo comparte lo que tu posees en tu corazón, el amor de nuestro Señor, que está en todos nosotros, que sólo tenemos que dejarlo salir y compartir.

Ese amor inmenso que El le da a los sin consuelo, El que sólo los mira y los alienta,
El que hace que pongas tu mirada en ellos y abras tu corazón a sus dolencias.
Ese es El, el que te sacude y embriaga tu consciencia, para que reacciones y ayudes a los que nada tienen, sin esperar recompensa, ni reconocimiento terrenal, porque en realidad estas sierviendo a un Amor Celestial.

"La pobreza se erradica promulgando leyes, y equidad en la distribución de los ingresos". Sé que esto no cambiará nada, pero es lo que siento, es lo que me duele y es lo que deseo compartir.

"Recuerdo detener el tema que comienza en forma automática al final de página".

domingo, 12 de agosto de 2007

Bryan Adams, Sting y Rod Stewart

Vean y escuchen este video musical, de tres grandes iconos de la musica de habla inglesa, pero universal, de estos tres personajes 2 ya han estado en el escenario de la Quinta Vergara de Viña del Mar, son Sting, que vino con el grupo Police hace algunos años y Bryan Adams que acaba de estar en el último festival, Rod se chingo hace como 4 años atras, iba estar y a ultima hora se bajo, esperamos que lo vuelvan a invitar, ya que aquí en Chile es muy admirado.
Y Bueno Sting, ha estado en más de una oportunidad en Chile, y esperamos que la próxima presentación que va hacer aqui en Chile este año, no se frustre, ya que viene con el Grupo The Police.

The Rolling Stone "Angie"

Los Temas de Rolling Stone siempre son buenos, pero este que comienza dentro de una serie de 8 que elegí para mostrarles esta "angie", me trae muchos recuerdos, ojalá les guste.



Biografia
La historia musical de los Rolling Stones comienza en 1960, cuando Mick Jagger y Keith Richards, dos viejos compañeros de estudios, comienzan a compartir su pasión por la música y el rythm & blues. Al año siguiente crearon un grupo, 'Little Boy Blue & Blue Boys, junto a Jack Taylor.

En 1962 conocen a Brian Jones. Este se une al grupo de Richards, Jagger y compañía y deciden renombrar el grupo. El nuevo nombre elegido: 'The Rolling Stones', estaba inspirado en un viejo tema de Muddy Waters, 'Rolling Stones Blues'. Pronto se incorporó Charlie Watts, junto al pianista Ian Stewart.

Ese mismo año Bill Wyman sustituye a Taylor y en 1963 lanzan su primer sencillo, 'Come On', una versión de una canción de Chuck Berry. Por aquél entonces sólo se dedicaban a realizar versiones de temas conocidos. Ese año realizan su primera gira por Gran Bretaña.

En 1964 publican el primer álbum, 'The Rolling Stones', el cual sólo disponía de una canción creada íntegramente por los Rolling. El resto eran versiones de otros artistas. Pero no se limitaban a versionear. El fuerte ritmo que imprimen a los temas y la agresividad que adoptan en sus intrumentos les confiere un aire propiamente suyo. Realizan dos giras por Estados Unidos y aparecen en el show de Ed Sullivan.

Fuera del escenario los expertos de marketing querían darles a conocer como los chicos malos del pop/rock, en contraposición con los Beatles, que podrían ser considerados los chicos buenos.

Así, eran constantes los escándalos en que se veían salpicados. Unas veces eran detenidos por orinar en público, otras por posesión de drogas y así uno tras otro.

En enero de 1965 salió su segundo disco, 'Rolling Stones 2', para el que tomaron influencias de la música negra americana, principalmente de soul.

Por aquel entonces comenzaron a plantearse que, si querían mantenerse en la cima en el mundo de la música tendrían que aportar su granito de arena y demostrar su capacidad creativa. Por ello, su manager les encerró varios días en un hotel para que trabajaran en la elaboración de temas nuevos e inéditos. De allí salieron algunos de sus mayores éxitos. A pesar de ello, su nuevo álbum 'Out Of Our Heads', seguía manteniendo un buen número de versiones, reservándose los nuevos temas para discos posteriores.

En 1966 lanzan al mercado 'Aftermath', compuesto completamente por temas suyos, abandonando las versiones de la música soul americana y los sonidos negros, y siendo considerado como uno de sus mejores discos.

En 1967 sacaron 'Between The Buttoms', que se vio salpicado por el escándalo en torno a la detención de Jagger y Richards por posesión de droga. Los temas del disco coincidían con el de la detención, al tratar en asunto de las drogas en varias de las canciones.

Con el Lp 'Their Satanic Magesties Request' se llevaron uno de sus grandes fracasos. Intentaron imitar el 'Sgt. Peppers' de los Beatles, pero la crítica les acusó de seguir la estela del otro grupo británico.

En 1968 publicaron 'Beggars Banquet', lo que supuso la vuelta a la esencia de los Rolling. Una portada provocativa que fue censurada por su propia compañía y que al final apareció totalmente en blanco fue el principio. La continuación, unos temas provocativos que hablaban de luchas, de sensualidad y un recordatorio de la música negra.

En 1969 Brian Jones fue encontrado muerto en su casa, víctima de las drogas. Al grupo se unió Mick Taylor. Este hecho fue seguido por la publicación de un nuevo disco, 'Let It Bleed', una réplica irónica al 'Let it Be' de los Beatles, en un momento en que el grupo de Liverpool rumiaba su disolución. Este disco les encarama definitivamente en la cima del rock mundial.

En 1971 editan 'Brown Sugar', el primero con su propio sello discográfico y 'Sticky Fingers', el primero en que utilizan un diseño de Andy Warhol de unos labios como sello del grupo. Este último disco está considerado como uno de los grandes de los Rolling por su calidad instrumental. Con el fin de ahorrarse impuestos los Stones deciden trasladar sus cuentas a Francia.

En 1972 publican un doble disco, 'Exile On Main Street', un disco de gran calidad y muy ambicioso. Pretendía ser el portal de entrada para una gran gira por Estados Unidos y había que cautivar al público. Fue número uno en Inglaterra y en USA.

La década de los setenta avanzaba y los Rolling continuaban sacando discos, alternando calidades. Así, en 1973 publicaban 'Goats Head Soup' y en 1974 'It's Only Rock'n Roll', para cuya promoción llenaron las calles de Londres de pintadas que decían 'Es sólo rock and roll'. Fue el último disco de Mick Taylor en la banda, que fue sustituído por Ron Wood. Tambien editaron un álbum en directo, 'Love You Live'.

Hasta 1978 no sacaron su siguiente disco de estudio, 'Some Girls', considerado por la crítica como uno de sus mejores discos.

La década de los ochenta comenzó con la firma de un supermillonario contrato de los Stones con la CBS, el mayor hasta ese momento. Por él, los Stones recibirían varios millones de dólares por cada disco publicado. Fruto del acuerdo fueron discos como 'Emotional Rescue', seguido de 'Tattoo You' en 1981, 'Stiff Life' en 1982, 'Undercover' en 1983 y 'Dirty Work' en 1986.

El disco que elevó la calidad media de la década fue 'Steel Wheels', de 1989, en el que basaron una nueva macrogira mundial y un nuevo álbum en vivo basado en dicha gira, 'Flashpoint'.

En 1990 realizan una gira por Japón y Europa, en la que fueron seguidos por más de dos millones de espectadores y generando unos ingresos cercanos a los doscientos millones de dólares.

En 1994 publican un nuevo disco, 'Voodoo Lounge' y un año después sacan a la luz 'Rock And Roll Circus', grabado en 1968 y que nunca había sido publicado.

En 1995 editan 'Stripped' y en 1997 'Bridges To Babylon' su, hasta ahora, último álbum, con el que comienzan una nueva gira por todo el mundo con infinidad de conciertos y que les generan unos muy suculentos

sábado, 4 de agosto de 2007

¡Que Recuerdo Hermoso!



Kyu Sakamoto "SUKIYAKI"
Hermoso Recuerdo de este cantante japones, que murió tan jóven

Ya saben que deben detener el tema que comienza automaticamente al final de página. Gracias.



Biografía

Kyu Sakamoto (10 de diciembre 1941 - † 12 de agosto 1985) fue un popular cantante y actor japonés. Su nombre real era Hisashi Oshima
Nació en la prefectura Kawasaki,Kanagawa,Japón ,siendo el mas pequeño de los 9 hijos del matrimonio conformado por Hiroshi e Iku , quienes eran trabajadores en un Restaurant, al estudiar la escuela basica secundaria comenzo a cantar, en 1958 se integro al grupo musico-vocal de nombre "Drifters" como vocalista. Su canción más popular Ue o muite aruko (Mirando hacia arriba mientras camino) mejor conocida como Sukiyaki fue un hit en Japon y logro colocarse en el número uno del Billboard pop charts en los Estados Unidos de Norteamerica.En el año 1963. Siendo la única canción en idioma japones en lograrlo, el texto de la canción es en si triste -algo desconocido para los melòmanos- y que en nada tiene que ver con el nombre comercial de Sukiyaki que en realidad corresponde a un platillo Japones. Sin embargo Sakamoto logró colocar otra canción en los charts llamada: "China Nights" (Shina no Yoru) que alcanzò el No 58 en 1963. otro tema de los mas apreciados fue "Ashita ga Aru Sa" (Siempre hay un mañana) que fue retomado por la banda Ulfuls en el 2001.

Kyu trabajo intensamente en favor de las personas discapacitadas en Japon. "Ashita ga Aru Su" fue el tema de los Juegos Paralimpicos celebradas en Tokio, Japon en 1964

En 1985 Sakamoto Murio tragicamente en el accidente aereo del vuelo Japan Airlines vuelo 123. Antes de que el avion impactara fue capaz de escribir una nota de despedida a su esposa Yukiko Kashiwagi. Con ella tuvo 2 hijas, Hanako y Maiko.
Para mi este tema me trae recuerdos muy gratos en casa de mis padres, viendo a mi madre con sus peinados y delantal a cuadro y falda de copa y mi padre con su pelo engominado y zapatos bien lustrados y corbata y terno oscuro, llegando del trabajo y este tema de fondo y papá se ponía a bailar con mamá y un aroma a tostada y leche con chocolate, inolvidable y era el tema favorito de ambos. Que recuerdo, simples recuerdos que uno añora.

Aquí la letra de la Canción, si quieren cantarla

ue o muite arukou
namida ga koborenai you ni
omoidasu haru no hi
hitoribotchi no yoru
ue o muite arukou
nijinda hoshi o kazoete
omoidasu natsu no hi
hitoribotchi no yoru

shiawase wa kumo no ueni
shiawase wa sora no ueni

ue o muite arukou
namida ga kobore naiyouni
nakinagara aruku
hitoribotchi no yoru
**la la la**
omoidasu akinohi
hitoribotchi no yoru

kanashimi wa hoshino kageni
kanashimi wa tsukino kageni

ue o muite arukou
namida ga kobore naiyouni
nakinagara aruku
hitoribotchi no yoru (más)

jueves, 26 de julio de 2007

Como ven los Niños a los Adultos

Vean a los niños lo que opinan de los adultos, a veces hay que escucharlos, en la mayoría de las veces son más sabios que los adultos. El Video habla por si solo, escuchenlo

¡Es Nuestro Hogar!, Planeta Agua

Aquí les dejo estos 2 temas de Fernando Ubiergo, nuestro gran poeta, compositor y cantante, quien siempre tiene una canción que nos hace reflexionar,y de Roberto Carlos esta vez, el pensar que nuestro planeta esta cambiando para mal lamentablemente y debemos pensar en salvarlo para nuestros futuros niños. Pensemos que son nuestros nietos o bisnietos, siempre habrá alguien que será de nuestra sangre que vivira los horrores de un planeta destruido, y aunque no fuese así este palneta es un regalo de Dios, para que vivieramos en el, lo cuidaramos, El lo bendijo, con buena tierra, agua suficiente para abastecernos, un sol radiante para calentarnos, vegetación para alimentarnos y cobijarnos, pero todo eso esta desapareciendo y debemos hacer algo al respecto, antes de que sea tarde, nosotros mismos somos los culpables de que el planeta se este sobrecalentando y desapareciendo flora y fauna, importante para sobrevivir, pero utilicemos los medios pacíficos que tenemos para llamar la atención de los grandes poderes como son la política y el dinero, que van tomaditos de la mano,
llamemosle la atención con el Corazón a través de éstas canciones, poemas, películas, lo que sea para penetrar en sus gélidos corazones, tal vez los hablandemos un poquito y puedan firmar tratados antimisiles, o tratados que eliminen las fuentes que afectan la capa de ozono, o tratados anti armas e industriales núcleares, esperemos en Dios que una Canción logre hacer recapacitar a algunos de esos poderes.Porque si respetaramos lo que Dios nos ha brindado tal vez nos acercaríamos más a El. Pero el Hombre esta tan concentrado en sí mismo, y generando dinero y queriendo poder, que ha olvidado cuidar nuestro único hogar, y que es parte de nuestra herencia celestial.
Hay pequeñas minorías que levantan sus voces y brazos, suplicando se den cuenta de esta realidad, pidiendo ayuda, pero sus voces se apagan y se pierden ante las vociferantes voces de dinero y poder. Pero los que aquí leen y ven esto roguemos para que una CANCION LOGRE LO QUE MIL VOCES NO HAN LOGRADO.


Por favor parar el tema que comienza automáticamente, al final de la página. Gracias



¿Esto es Progreso?

lunes, 16 de julio de 2007

LOS POETAS MUERTOS

POETAS MUERTOS incluida en el disco AYER Y HOY (1998) Canción compuesta por Gabriela Martinez "Carmín", la cual compuso en un momento muy difícil de la vida, después de perder a su hijo Pollito, y todo ese dolor lo volcó en esta hermosa canción, escrita con las entrañas, cantada con todo su sentimiento y un sonido NEW AGE, que sorprendió ya que no es el genero al que nos tiene acostumbrados. Es una canción que nos hace reflexionar sobre el mundo y es un homenaje a los "POETAS MUERTOS", que siguen vivos de alma, por que un poeta Jamás muere, porque su obra Siempre vivirá. espero les guste, por que esta canción a mi me estremece , me pone la piel de gallina y se me hace hermosa espero a ustedes tambien les agrade. POETAS MUERTOS Letra, Voz, música y arreglos: CARMIN
"Se fué en una veleta el alma del poeta al más allá Poemas han dejado sus almas han plasmado en un simple papel Este mundo esta dormido solo hay maldad ya ni el canto de los grillos quieren escuchar La gente ya no ama ya no ríe ya no sueña.. solo el niño sueña... con las guerras. El mal esta agrietando la mente del humano Ya no hay más paz Si tuerces lo caminos no culpes al destino fue TU voluntad Hoy ya no es común darle la mano a un hermano Escuchar un salmo con respeto no hace daño Quien creó la biblia Quien creó éste gran planeta es el más Grande de los Poetas Sor Juana ven y hablame hablemos del llando del alma al crecer Sor Juana ven, Escuchame hablemos del llanto de un niño al nacer. CHRISTE DOMINE Poetas griten lloren Tormentas de Poemas que nos llenen de Amor Y toquen las campanas de la conciencia humana que se acabe el rencor. No puedo creer que GANDHI En India murió en Vano Que las fantasias de Hoy en dia se han agotado Quien creó la Biblia Quien creó éste Gran Planeta Es el más Grande de los Poetas Sor Juana ven y hablame hablemos de llanto del alma al crecer Sor Juana ven eschachame Hablemos de llanto de un niño al nacer"
CHRISTE DOMINE CARMIN ha gozado de un gran éxito en la escena musical mexicana A mediados de los 80's el grupo CARMIN vendría a formarse con la participación de 4 jovencitas entre las cuales se encontraba ELY GUERRA,(Si la misma que acompaño a Beto Cuevas de la LEy en un tema) que hacia coros, y ademas tocaban sus propios instrumentos con un estilo llamado TECNOPOP, sin embargo el alma y motor de este grupo siempre fue Gaby Martínez, quien después de colocar varios éxitos en la radio se quedaría con el nombre de CARMIN. Tras la separación de esta efímera agrupación entonces vendría un periodo de casi un año de intensa preparación, con la experiencia de los creadores de la imagen de Madonna, las coreografías de un experto y una espléndida producción musical CARMIN surge como una artista de proyección internacional. Su 1er gran paso es su participación en el festival OTI 88 la cual seria repetida en 1989 y el lanzamiento en México y EE UU de su cd titulado un grito (CARMIN III). Fué invitada también en varias ocasiones al programa musical más importante en ese entonces SIEMPRE EN DOMINGO donde Raúl Velasco le dio la clásica patadita de la suerte. En este mismo periodo CARMIN realiza un vídeo con el tema LET'S GO DANCE y también aparecería en la banda sonora de la película SUMMER EAGLE. Posteriormente CARMIN graba el tema PLAY TOY gracias a este se convierte en la primer artista latina en aparecer en la revista BILL BOARD, convirtiéndose en la primer mexicana en aparecer en los 100 primeros lugares de las listas de popularidad del black charts coronándose hasta la fecha como la única mexicana que traspaso fronteras con un tema en ingles. Basta con entrar a la página billboard y en busqueda poner : CARMIN para corroborar esta información. Ganadora al premio Minerva como mejor interprete en 1992, otorgado por los medios de comunicación a nivel internacional. Después de todos estos logros CARMIN hace una pausa en su carrera para crear nuevos estilos en su música no solo para ella sino para otros artistas, películas y eventos altruistas. Actualmente CARMIN es considerada una de las cantantes músico mas completas ya que ademas de cantar y componer toca infinidad de instrumentos como la bateria, teclado, etc... . Ya que ella es la cantante, de sus canciones, la compositora, la arreglista, coros sin duda un genio musical.


SI DESEAN ESCUCHAR ESTE VIDEO, PAREN EL TEMA QUE ESCUCHAN, AL FINAL DE LA PÁGINA.


domingo, 15 de julio de 2007

A Todos Los Papás



Aquí les ofrezco un video que muestra, el amor que el Ser humano, puede sentir por su padre, todos de una u otra manera podemos sentir ese amor, la letra de esta canción nos muestra a un padre sencillo y trabajador, como es la mayoria de nuestros padres, sacrificados y llenos de amor para sus hijos, este video va dedicado a ellos, padres que dejaron huella en nosotros, tanto padres biológicos como espirituales, pero padres al fin. Padre es el que guía el que te defiende, o el que te reprende si cometes una falta, es el que te abraza si tienes pena,el que te escucha cuando necesitas un consejo.
Para los que tenemos a nuestros papas vivos, disfrutemos su compañía, comprendamos sus cambios de actitud, ya que están pasando por una etapa en la que ellos mismos no logran comprenderla y que además tengan que lidiar con la poca comprensión de su familia se vuelve más triste toda la situación, sepamos ponernos en le lugar de ellos y pensar que nadie esta ajeno de vivir la vejez y por sobre todo la vejez incomprendida, no nos sirve vivir llenos de oro toda la vida, si cuando estamos viejos no hay nadie capaz de cuidarnos, el mejor ahorro que podemos hacer en la vida, es cultivar el amor con nuestros semejantes, porque siempre que quieras sacar tus fondos, siempre tendrás mucho amor a cambio, porque los bienes materiales, siempre habrá quien se los dispute, pero el amor sincero siempre se te entregará a borobotones. Ahí les dejo esta reflexión para que disfrutemos de nuestros seres queridos.

miércoles, 11 de julio de 2007

MAY IT BE DE ENYA

Este mismo tema lo coloque al final de página, para quienes entren a esta página lo escuchen inmediatamente, si quieren escuchar los videos que aparecen en el centro de página o al costado, deben ir al final de página y parar el tema. Gracias




Aquí les dejo esta hermosa canción de Enya, interprete de entre otras bellezas de canciones de esta llamada My it be, que fue parte de la primera parte de la trilogía del Señor de los Anillos Llamada "La Comunidad del Anillo, quien vió la película, recordará este hermoso tema.

Y quien es ENYA, aqui su biografía, para que la conozcan, una interprete extraordinaria, con bellísimos temas.

Enya, cuyo verdadero nombre es Eithne N' Bhraonein, nació el 17 de Mayo de 1961 en Dore, Gweedore, Irlanda. Hija de un conocido músico irlandés, siempre estuvo en su familia por gente relacionada con la música. Tras cursar estudios de piano, formó en el grupo Clannad. Enya trabajaba en los teclados, aunque el estilo pop del grupo no terminaba de agradar a la artista. Enya abandonó el grupo en 1982.

Sus primeras grabaciones en solitario aparecieron en 1985. Al año siguiente Enya grabó la música para la serie de la BBC 'The Celts' ('Los Celtas'), y dos años más tarde presenta su primer álbum como solista, titulado de ese modo, 'The Celts'. Su forma de cantar, tanto en galés como en inglés, y su forma de instrumentar los temas con los sintetizadores, no fue del todo apreciado al principio. Sin embargo, al año siguiente Enya firma un contrato con WEA Records y presenta su segundo trabajo, 'Watermark'. El album supuso un gran éxito y el reconocimiento de la crítica y del público. Varios de los singles se auparon en los primeros puestos de los rankings y recibió varios premios de platino.

En 1991 publica 'Shepherd Moons', con el que vendió más de 10 millones de copias y con el que conquista el mercado americano, recibiendo en 1993 el Grammy como 'Mejor Album New Age'.

En 1995 aparece 'The Memory Of Trees', con una gran carga celta, aunque no despertó tanto interés como los trabajos anteriores.

Dos años después lanza 'Paint the Sky with Stars: The Best of Enya' una colección de 16 tema, 14 de ellos extraídos de sus trabajos anteriores, a los que se añaden dos canciones nuevas: 'Only If...' y 'Paint the Sky with Stars'

A fines del 2000, tras un paréntesis de tres años, Enya presenta un nuevo álbum, titulado 'A Day Without Rain'. En 2001 dos canciones de Enya : "May it be" y "Aníron" aparecieron en la película "El Señor de los Anillos - La Comunidad del Anillo". Enya, Nicky y Roma fueron nominados a los Oscar y a los Globos de Oro por el tema "May it be".

En 2005 aparece el que está llamado a ser uno de los mejores trabajos de Enya. Su título es "Amarantine", y ha sido grabado en Irlanda, presentándonos a una Enya en estado puro. Desde los conmovedores coros del tema principal hasta los exquisitos matices del tema "Wild violet", basado en un haiku del poeta japonés Basho, este disco rebosa de todo lo que nos gusta de Enya.


Álbumes
The Frog Prince (banda sonora original) (1985) Primer disco en solitario de Eithne. Aunque compuesto por ella, sólo se le permitió interpretar dos de las canciones, que ya anuncian su estilo posterior. Los demás cortes fueron arreglados por manos ajenas.

Enya (1987) La BBC le encargó la banda sonora para una serie documental que estaba preparando sobre la vida de los celtas llamada the Celts (los celtas); la composición, que llevó 10 meses de trabajo, gustó tanto a la BBC que se decidió a publicar una selección de esa música como disco independiente, antes incluso de que la serie se emitiera, titulando el trabajo como Enya.

Watermark (1988) Es el disco con el que se dio a conocer a escala mundial. Además del éxito comercial de su single "Orinoco Flow" es un trabajo que contiene canciones en latín como "Cursum perficio" o en gaélico como "Storms in Africa".

Shepherd Moons (1991) Sigue con la estructura establecida en su álbum anterior y la consolida. "Shepherd Moons" contiene otro de sus mayores éxitos "Caribbean Blue" así como otras canciones como "Book of Days" o "Ebudæ", utilizadas en la ambientación de películas producidas por aquella época.

The Celts (1992, reedición de Enya) Mejora el sonido de la grabación original y sustituye la canción "Portrait" por su versión 'Out of the Blue'

The Memory of Trees (1995) Inicia el disco el instrumental más complejo jamás creado por Enya "The Memory of Trees" seguido por el exitoso "Anywhere Is". Este disco, de sonidos mucho más complejos y coros de voces muy elaborados, llega a encumbrar durante varias semanas la lista de más vendidos en España

Paint The Sky With Stars: The Best Of Enya (1997) Recopilatorio al que Enya califica como diario musical que incluye dos canciones nuevas: "Only If...", que llegó a alcanzar la octava posición de la lista de los 40 principales, y el tema que le da nombre al álbum. En este año Enya también publicó la caja "A Box of Dreams" en donde la recopilación de temas de su carrera se hace mucho más extensiva a lo largo de tres álbumes temáticos especiales: Oceans, Clouds y Stars.

A Day Without Rain (2000) El disco más vendido de Enya, sobre todo gracias a la tragedia del 11-S y a la utilización del archiconocido "Only Time" para ilustrar el suceso en las televisiones y radios estadounidenses. Artísticamente hablando, podría considerarse su visión de las cuatro estaciones del año. Es muy breve y presenta como novedad el mayor peso dado a los sonidos de cuerda (violines y violoncelos, sobre todo en "pizzicato").

Amarantine (2005) Tras el éxito obtenido en 2002 por su colaboración en la primera de las películas de "El señor de los anillos", tres años más tarde llegó el más reciente trabajo de la irlandesa, el cual ha incorporado varias innovaciones formales. En este disco, de atmósfera mucho más sosegada que su anterior trabajo y en dónde se puede apreciar su voz de forma mucho más directa, hay tres canciones en una lengua ficticia, el "loxian", creado por su letrista, Roma Ryan. Por primera vez no hay ningún tema en latín o gaélico, y sí una en japonés: "Sumiregusa". No obstante la edición especial navideña de 2006 sí incluye un tema en latín: el villancico "Adeste Fideles" incluido junto a otros tres más: "We Wish you a Merry Christmas", "The Magic of the Night" y "Christmas Secrets". Una edición de lujo consistente en una caja de terciopelo rojo cuyo contenido consta de una reedición del libro de Roma Ryan "Water Shows the Hidden Heart" (que explica la historia detrás de las canciones en loxian del álbum), tres fotos exclusivas y el CD estándar del álbum (sin incluir los temas navideños), ha sido publicada en Estados Unidos y algunos países europeos.

martes, 10 de julio de 2007

Leonardo Favio (Foto de Carné)



Aquí un pedido especial, para un jóven romántico.

Y aquí va su biografía:

Leonardo Favio es un reconocido artista argentino. Realizador de libretos, guiones, filmes, composiciones y canciones.

Nació el 28 de mayo de 1938, en la localidad de Luján de Cuyo, de la provincia de Mendoza; lugar donde se le nombró Fuad Jorge Jury.

Con sus películas ganó premios nacionales e internacionales, considerándosele un director de culto; exitoso y respetado. Por otro lado, ha sido homenajeado por multiplicidad de artistas, con canciones transcritas en más de catorce idiomas.

Infancia

Nació en un barrio pobre y complicado, donde soportó el abandono de su padre. Pasó gran parte de su infancia internado; conflictivo, siempre escapó o se le expulsó. Una serie de robos pequeños le llevó incluso a la reclusión carcelaria. Estudió un tiempo como seminarista y más tarde intentó alistarse en la Marina: duró poco y se marchó con el mismo uniforme que le sirvió para pedir limosnas en Retiro. Su madre, escritora de radioteatros, solía conseguirle "bolos" (pequeños papeles escasamente remunerados) en Mendoza; etapa en la que además comenzó a preparar sus primeros libretos.

Éxito y fama por las nubes [editar]De pequeño Favio aprendió a tocar guitarra, intercambiando clases por trabajo. Antes del reconocimiento solo cantó en reuniones íntimas, entre amigos y familiares. Su debut como cantante le llevó a la Botica del Ángel, a manos de Eduardo Bergara Leumann. Ese mismo día un ejecutivo de la CBS le propuso grabar un disco, resultando el primer single de Favio Quiero la Libertad, un gran fracaso. La productora entonces le aconsejó grabar Fuiste mía un verano y O quizás simplemente le regale una rosa; íconos de su primer LP, también titulado Fuiste mía un verano (1968). El disco resultó emblemático, constituyendo el más clásico de sus repertorios. Tras su participación en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, en Chile, Leonardo consolidó su fama internacional.

El éxito sofocó un poco a Favio. De una vida más bien tranquila como director, pasó a un mundo mediático, lleno de fanáticos y conciertos continuados; tanto le atochó la fama que llegó a encerrarse durante meses en su departamento. Luego de grabar su segundo LP – Leonardo Favio (1969)- y en pleno apogeo de su éxito como cantante, dejó los escenarios para dedicarse por completo a su película Juan Moreira (1973). Nazareno Cruz y el lobo (1975, sobre el radioteatro de Juan Carlos Chiappe) consolidó a Favio como director, siendo esta la película más vista en la historia del cine argentino.

viernes, 6 de julio de 2007

Cuando Seas Grande Mi Niño

"Al niño niño" compuesta por Fernando Ubiergo e interpretada junto a Silvina Garre para el disco "VOCES SIN FRONTERAS" (1987), con motivo de la visita de Juan Pablo II a Chile. En esa producción participaron los argentinos Piero, León Gieco, Silvina Garre, César Isella, Miguel Cantilo, Marilina Ross, Mónica Posse, Miguel Cantilo y los chilenos Gervasio, Tati Penna, Eduardo Gatti, Oscar Andrade, Florcita Motuda, Cecilia Echenique entre otros.

En este video podemos ver que tipo de planeta queremos dejar le a nuestros niños, construyamos un mundo que sea el mejor para ellos, por que ellos son nuestra herencia, y tenemos que dejarles espacios a ellos. no creen?